10 Mulheres que foram julgadas, mas que moldaram a arte como a conhecemos hoje

Por trás dos rostos mais icônicos da história da arte, existiram mulheres reais que foram silenciadas ou cujas histórias foram apagadas das narrativas oficiais. Rainhas, amantes, artistas e intelectuais, essas “musas” desafiaram as normas e as limitações de seu tempo e hoje são uma fonte de inspiração para outras vozes femininas.

Por terem moldado a arte como como a conhecemos, neste artigo destacamos 10 mulheres que transcenderam o papel de musas para se tornarem protagonistas do seu tempo.

1. Pepita Tudó

Se houve uma obra que abalou os códigos morais do século XVIII, esta foi A Maja nua (1795–1800), de Francisco de Goya. Pintada para a coleção particular do influente nobre Manuel Godoy, a obra retratava, pela primeira vez, uma mulher real completamente nua.

Ao contrário das Vênus ou ninfas, cujos corpos nus na arte eram justificados por motivos religiosos ou mitológicos, essa figura olhava para o espectador com naturalidade, um gesto radical para a época.

Mas quem foi a mulher que desafiou os padrões clássicos da representação? O mistério permanece. A teoria mais aceita aponta para Pepita Tudó, amante de Godoy no início dos anos 1800. A relação entre eles também rompia as convenções, enquanto a esposa oficial mantinha o título, era Pepita quem administrava a casa e gerava seus filhos.

A figura de Pepita Tudó ultrapassou as fronteiras da arte contemporânea, ganhando voz com Penélope Cruz no filme Volavérunt. Além disso, sua imagem foi reproduzida e comercializada, até mesmo em selos postais espanhóis, proibidos nos Estados Unidos, devido ao seu caráter ousado.

A audácia de A Maja nua causou tumulto político. Em 1815, Goya foi convocado pela Inquisição Espanhola, acusado de imoralidade e destituído de seu cargo de pintor da corte. No entanto, a obra também marcou uma ruptura com o academicismo e a tradição, inaugurando a ideia de que a arte poderia retratar o corpo feminino sem pedir permissão ao dogma ou ao cânone clássico.

2. Fanny Eaton

Fanny Eaton, nascida na Jamaica, marcou a arte vitoriana e o movimento pré-rafaelita ao apresentar uma beleza que desafiava os padrões tradicionais da época. Sua presença em obras de destaque, como A Mãe de Moisés (1860), de Simeon Solomon, introduziu uma diversidade inédita nas representações artísticas do século XIX e desafiou as normas estéticas vigentes.

Longe de ser apenas uma musa passiva, Eaton colaborou ativamente com artistas progressistas, conquistando um espaço relevante na cena cultural da Inglaterra vitoriana.

3. Victorine Meurent

Victorine Meurent foi descrita como “indecente” pelos críticos de sua época por seu olhar direto em Olympia, uma cortesã que desafiava a representação passiva das mulheres na arte. No entanto, essa mesma imagem a transformou em um símbolo da modernidade.

Embora a história a tenha reduzido ao papel de “musa de Manet”, ela também era uma pintora reconhecida e admitida no prestigioso Salão de Paris, antes mesmo do próprio Manet.

Após anos de colaboração com o pintor francês, ela viveu na pobreza, mas não parou de criar e até ensinou música para sobreviver. Sua vida personifica a luta das mulheres artistas por reconhecimento, além do seu vínculo com homens famosos.

Hoje, é lembrada como um exemplo de resistência e autodeterminação: uma mulher que transcendeu o papel de modelo para reivindicar seu lugar como criadora.

4. Jeanne Hébuterne

Seu rosto está estampado em mais de vinte retratos pintados por Modigliani. Jeanne Hébuterne era uma pintora promissora no efervescente círculo de Montparnasse. Entretanto, como muitos outros artistas de sua época, seu trabalho foi ofuscado pela figura do seu parceiro.

Seu relacionamento com Modigliani, marcado pela paixão e precariedade, teve um desfecho dramático e contribuiu para forjar o mito romântico do “artista mártir”.

Estilizada sob as influências do Renascimento italiano e da arte africana, sua imagem tornou-se um ícone da melancolia elegante que caracteriza a obra de Modigliani. Hoje, no entanto, Jeanne reconquistou seu lugar na história da arte moderna: algumas das suas obras remanescentes — desenhos e aquarelas — revelam um estilo próprio, delicado e íntimo, muito distante do de seu companheiro.

5. Emilie Flöge

Frequentemente lembrada apenas companheira e musa do pintor Gustav Klimt, Emilie Flöge foi, na verdade, uma figura de vanguarda: estilista visionária, empresária independente e figura central na efervescente cena cultural vienense do início do século XX.

Embora tenha inspirado alguns dos retratos mais icônicos de Klimt — incluindo O Beijo -, sua relação com o artista ia muito além do papel de modelo. Eles compartilhavam ideias, trocavam referências e viviam como cúmplices na atmosfera boêmia da Viena Art Nouveau.

O estilo pessoal de Emilie, marcado por vestidos soltos, sem espartilho e influenciados pela estética oriental, desafiava os padrões rígidos da moda feminina da época e se tornou símbolo da modernidade e liberdade. Ao lado das irmãs, dirigiu o renomado ateliê Schwestern Flöge, onde desenvolveu criações inovadoras que priorizavam conforto e movimento, antecipando tanto os ideais do art nouveau quanto os princípios do feminismo prático.

Flöge personificou uma nova ideia de feminilidade: independente, criativa e financeiramente autônoma, em uma época em que pouquíssimas mulheres o eram. Após a morte de Klimt e o colapso do Império Austro-Húngaro, ela manteve seu estúdio ativo até a década de 1930, notavelmente resiliente diante das mudanças políticas e sociais.

Hoje, seu nome é uma referência de força criativa por si só. Sua história desafia a maneira como a narrativa oficial reduziu muitas mulheres ao papel de musas, quando na realidade elas eram artistas, empreendedoras e protagonistas silenciadas de seu tempo.

6. Lisa Gherardini

Lisa Gherardini, a florentina eternizada por Leonardo da Vinci, emprestou seu rosto ao retrato mais famoso do mundo. Seu sorriso enigmático alimentou debates sem fim sobre sua identidade e seu humor no momento da pintura.

Mona Lisa desafiou as convenções do retrato renascentista e se tornou um ícone que foi reproduzido, parodiado e comercializado de incontáveis formas, provando como uma musa do século XVI ainda habita o imaginário contemporâneo.

Mas sua figura transcende a obra e representa tanto a realidade histórica das mulheres renascentistas quanto a construção de um mito artístico. Ao contrário de outras musas idealizadas, Lisa era uma mulher real, esposa de um comerciante florentino e mãe de seis filhos.

E, embora seu rosto tenha se tornado um arquétipo do mistério e elegância, sua identidade foi enterrada durante séculos por teorias que a distanciavam de si mesma: seria ela um autorretrato disfarçado do próprio Da Vinci?

A trajetória de Lisa Gherardini reflete as restrições impostas às mulheres na Itália do século XVI, onde o destino feminino era ditado pelo casamento e pela maternidade. Ainda assim, seu retrato ultrapassou essas amarras: sem joias ou símbolos de poder, ela aparece apenas como uma mulher comum, revelada em sua humanidade e em uma rara profundidade psicológica.

O roubo da Mona Lisa em 1911 catapultou a obra à fama mundial. Desde então, foi reinterpretada por artistas como Dalí e Warhol, além de se transformar em meme pop. Sem jamais ter escolhido esse papel, Lisa acabou eternizada como símbolo de arte, mistério e ironia.

7. Frida Kahlo

Frida Kahlo, uma das figuras mais icônicas da arte moderna, foi sua própria musa, manifesto e revolução. Ela transformou a dor em tinta, a identidade em uma bandeira e a vida em trabalho. Sua imagem — intensa, desafiadora e profundamente pessoal — tornou-se um símbolo de resistência, feminismo e orgulho cultural.

Após um grave acidente em sua juventude, Frida canalizou seu sofrimento físico e emocional em uma linguagem visual única. Obras como A Coluna Quebrada (1944), na qual ela retrata seu corpo fraturado, transcenderam a autobiografia e se tornaram emblemas universais de luta e sobrevivência.

Frida desafiou as normas de sua época em todas as frentes. Ela incorporou elementos do folclore mexicano, da estética indígena e da vestimenta tradicional em sua arte, o que rompeu com os cânones eurocêntricos de beleza e reafirmou sua identidade mestiça e política.

Seu rosto, com as sobrancelhas espessas e unidas, não buscava agradar, mas reivindicar seu lugar como mulher, como artista e como mexicana.

Embora tenha vivido em uma época marcada por estruturas patriarcais e normas tradicionais de gênero, ela se conduziu com autonomia e convicção. Em sua vida e obra, ela questionou os modelos convencionais esperados dela como mulher e como companheira do famoso muralista Diego Rivera.

Frida é um símbolo global de autodeterminação, e seu rosto aparece em camisetas, murais, protestos e altares. A Casa Azul, em Coyoacán, onde ela viveu e morreu, é um santuário visitado por milhares de pessoas que admiram sua vida e obra.

8. Dora Maar

Lembrada por décadas apenas como musa e amante de Pablo Picasso, eternizada em obras como O Retrado de Dora Maar (1937) e A Mulher que Chora (1937), o verdadeiro legado de Dora Maar está em sua carreira como fotógrafa inovadora, pintora e figura essencial do surrealismo.

Antes de conhecer Picasso, Maar já havia se estabelecido como uma das fotógrafas mais originais da sua época. Trabalhos como Portrait d’Ubu (1936) — uma imagem perturbadora que desafiava as convenções visuais — foram exibidos nas principais mostras surrealistas da época.

Além de documentar o processo de criação de Guernica (1937) e fornecer uma visão íntima e reveladora, sua influência no trabalho de Picasso foi além de modelo passiva: críticos identificaram traços da sua linguagem visual na fragmentação cubista e no dramatismo de certos enquadramentos da obra do artista.

Seu relacionamento com Picasso foi intenso e doloroso. Após se separar do pintor, Maar passou por uma profunda crise que a levou a se afastar da arte por um tempo. Nas décadas seguintes, no entanto, ela encontrou na pintura abstrata uma nova forma de expressão, introspectiva e poética, que consolidou sua autonomia criativa.

Sua vida e sua obra — que abordam temas como identidade, o inconsciente, o corpo e a política — incorporam o desafio histórico das mulheres artistas de serem vistas além dos homens com quem se relacionavam.

9. Camille Claudel

Mais do que a amante de Auguste Rodin, Camille Claudel foi uma escultora brilhante, cuja trajetória revela tanto os limites quanto a coragem das mulheres artistas de seu tempo. Inicialmente aprendiz e companheira do célebre escultor, rapidamente se destacou por um estilo próprio, carregado de emoção, intensidade e originalidade.

Suas obras, como A Valsa e Idade Madura (ambas do final do século XIX), impressionam pelo domínio técnico aliado a uma expressividade arrebatadora, marcada por movimento, sensualidade e conflito interior. O próprio Rodin reconheceu sua grandeza ao afirmar: “Eu a ensinei a encontrar ouro na arte, mas o ouro que ela encontrou foi o seu próprio.”

Em uma época em que as mulheres não tinham acesso total às academias de arte, Claudel conseguiu expor no Salão de Paris e ganhar o respeito dos críticos. No entanto, seu talento foi sistematicamente ofuscado por sua ligação a Rodin.

Após romper com o escultor, ela foi gradualmente apagada do cenário artístico e em um gesto cruel acabou sendo internada pela própria família em uma instituição psiquiátrica, onde passou seus últimos 30 anos de vida, isolada e incapaz de praticar sua arte.

Sua história ilustra a dupla batalha das mulheres artistas contra o machismo estrutural que as relega a musas ou assistentes, e pelo direito de serem valorizadas por seu próprio gênio criativo.

10. Joana I de Castela

Imortalizada na pintura Joana, A Louca, de Francisco Pradilla (1877), a rainha Joana I de Castela ficou marcada por séculos como uma figura obsessiva e desequilibrada. No entanto, por trás do mito está a trajetória de uma mulher poderosa, inteligente e silenciada, cuja saúde mental foi usada como instrumento político para tirá-la do poder.

Declarada incapaz por seu pai, seu marido e, mais tarde, por seu próprio filho, Joana foi acusada de insanidade — supostamente por um amor doentio por Filipe I de Castela. Isso serviu de pretexto para removê-la do trono e garantir o controle de Castela. O que a história oficial descreveu como desequilíbrio emocional foi uma construção política para justificar sua prisão em Tordesilhas, onde ela passou 46 anos em reclusão.

Apesar de ter sido transformada em uma prisioneira de seu tempo, Joana inspirou inúmeras obras de arte, literatura e teatro, nas quais é apresentada como uma figura romântica e atormentada, um símbolo trágico de uma mulher dominada por suas paixões.

No entanto, essa imagem mascara a realidade de uma rainha culta, poliglota e politicamente educada que governou com autonomia por um breve período, mas significativo, antes de ser destituída do seu poder.

Compreender a dimensão humana dessas mulheres nos permite apreciar a arte com um olhar mais profundo e reconhecer as verdadeiras criadoras, pensadoras e figuras que, durante séculos, foram reduzidas a rostos silenciosos em uma tela.

Costuma-se dizer que o segredo está em estar no lugar certo, na hora certa. Mas as protagonistas deste artigo provaram o contrário: mulheres de ideias ousadas e progressistas, que viveram antes do tempo em que suas vozes seriam plenamente ouvidas. Visionárias, elas estavam muito além da época que as cercava.