15 Finais de filmes que muitos podem ter entendido errado

Muitas vezes o final de um filme permanece um mistério para os telespectadores, provocando debates acalorados e diversas teorias alternativas sobre seu fim. Por um lado, podemos simplesmente não entender o sentido exato que o diretor quis passar com o final ou até interpretarmos mal a mensagem deixada no fim pelo uso de metáforas e expressões ambíguas. Já por outro, há ainda a possibilidade de a compreensão das cenas finais ser guiada diretamente pelas impressões do telespectador sobre elas, gerando assim diversas opiniões.

O Incrível.club decidiu entrar nessa discussão e esclarecer os finais de filmes mais difíceis de se entender, e pode ser até que sua compreensão do roteiro mude completamente. Confira!

A Chegada, 2016

À medida que a história do filme de Denis Villeneuve se desenvolve, muitas dicas vão sendo dadas ao telespectador, no entanto a ideia principal do filme só é revelada no final. O drama de ficção científica é composto inteiramente de paradoxos em forma de círculos temporais. Os telespectadores podem até pensar que o longa começa mostrando o passado da protagonista, a linguista Louise Banks, mas no final fica claro que as cenas iniciais retratam na verdade seu futuro. Depois que a personagem de Amy Adams começou a entender a linguagem temporal não linear dos alienígenas, o tempo para ela começou a ter outro significado, onde passado, presente e futuro podem ser acessados em forma de círculos temporais.

As cenas em flashback que retratam a linguista com sua filha falecida e a separação dela de seu marido, que vimos no início do filme, na verdade ainda não aconteceram na vida da protagonista. Louise pôde ver o seu futuro e, mesmo sabendo que ela perderia sua filha e consequentemente seu casamento acabaria, decidiu não mudar nada. E esse é o sentido principal do longa — o tempo não é uma simples linha reta. Ao observar o tempo sob a ótica dos alienígenas, ele ganha um significado totalmente diferente, e cada pessoa tem a capacidade de determinar o seu próprio destino.

Mãe!, 2017

“Eles estão superanimados e entenderam tudo, mas cada um à sua maneira”, disse o ator Javier Bardem sobre a reação do público ao filme em que estrelou. Após a estreia do suspense psicológico do diretor Darren Aronofsky, a internet ficou inundada com diferentes versões do significado do filme e interpretações de seu final. Praticamente quase todos os trabalhos desse diretor são cheios de simbolismo, e em Mãe! não poderia ser diferente. A trama é baseada na relação degradante da humanidade com a natureza, e o filme é uma espécie de parábola bíblica

Em uma entrevista para o portal Variety, Aronofsky explicou que Javier Bardem atuou no longa como Deus, a atriz Jennifer Lawrence deu vida à mãe natureza, e a casa em que moravam representava o planeta Terra. A natureza é degradada e explorada. E o apocalipse no final do filme, mais precisamente a queima da casa, representa o resultado das ações agressivas do homem ao planeta.

Nós, 2019

Os protagonistas do filme, a família Wilson, estão sendo atacados e feitos de refém por indivíduos idênticos a eles. Logo o telespectador descobre que os invasores fazem parte de um exército de clones chamados Atrelados, que vivem em túneis e passagens no subsolo. Na parte final do filme, a protagonista vivida por Lupita Nyong’o segue seu terrível clone por um labirinto espelhado que conduz a um calabouço, o qual nos foi mostrado em fragmentos de cena ao longo do filme. Depois de uma luta entre as personagens, vemos um flashback da infância completa de Adelaide e percebemos que ela é na verdade um clone, que quando criança conseguiu chegar à superfície e capturar o seu original.

Essa reviravolta na trama explica as mudanças de comportamento da protagonista e seus medos. Em parte, fica claro porque a Adelaide adulta tinha medo de ir à praia: ela sabia que a entrada para o “mundo subterrâneo” ainda estava lá e não queria retornar. Também é possível entender porque a verdadeira Adelaide se tornou a líder dos Atrelados: ela é o único membro deles que tem a capacidade de falar.

Birdman, 2014

O final do filme de Alejandro Iñárritu sobre o destino do Birdman é bastante confuso. Na cena final, a filha do protagonista Riggan Thomson entra em um cômodo vazio e vê uma janela aberta, por onde se pode ouvir barulhos de vozes e sirenes vindos da rua. A personagem de Emma Stone então olha para baixo, levanta lentamente a cabeça para o céu e sorri. Alguns telespectadores podem pensar que esse quadro representa um “final feliz” e sugere que Riggan ainda poderia voar. No entanto, o mais provável é que o protagonista tenha cometido suicídio por não conseguir voar, e que sua filha Sam tenha começado a ter alucinações com ele.

Sam perde sua conexão com o mundo real e mergulha em um mundo de fantasia onde seu pai ainda está vivo. A relação de Riggan com sua filha é a chave para desvendar o fim do filme.

Vanilla Sky, 2001

A cada minuto o suspense psicológico do diretor Cameron Crowe torna-se mais confuso, culminando em um final que deixa o público em estado de completa perplexidade. O próprio diretor sugeriu que todas as respostas devem ser procuradas nos últimos 20 minutos do filme. O protagonista interpretado por Tom Cruise, David Aames, é atormentado por pesadelos, nos quais vê sua antiga paixão, Julie, morta no acidente de carro que desfigurou seu rosto. Em meio a isso, seu psicólogo tenta descobrir o que é verdade e o que é apenas fruto de sua imaginação.

David recorda que contatou a Life Extension, uma empresa que utiliza a técnica de criogenia para tentar salvar a vida de pacientes sem esperança de cura no presente, e induz neles sonhos conscientes enquanto estão nesse estado. David entende então que não está satisfeito em seu mundo dos sonhos. O final do filme é a materialização da escolha do protagonista: acordar e viver o resto de sua vida no mundo real ou continuar vivendo no seu mundo dos sonhos. Quase sem hesitar, David escolhe o primeiro.

A Cura, 2017

No final do suspense fictício de Gore Verbinski, o protagonista Lockhart, descobre que o diretor do assustador centro de saúde é o mesmo barão suíço e cientista louco que nasceu 200 anos antes dos acontecimentos do filme e realizou diversos experimentos sangrentos. Heinreich Volmer conseguiu desenvolver um elixir da imortalidade, usando um líquido especial produzido por enguias.

Lockhart, no fim, consegue derrotar Volmer e escapar junto com a filha dele, Hannah. Assim, o protagonista se vê finalmente livre, no entanto, é possível observar que sua saúde mental está irremediavelmente danificada através de seu sorriso um tanto estranho. Ele parece entender que é quase impossível resistir ao sistema e nadar contra a corrente no mundo moderno.

Cisne Negro, 2010

Na história do filme, a bailarina Nina, encenada por Natalie Portman, cai no primeiro ato do balé Lago dos Cisnes e corre em lágrimas para trocar de roupas para o segundo ato. Em seu camarim, ela encontra Lily, estrelada por Mila Kunis, que está pronta para substituir o personagem da protagonista no palco. Começa então uma briga entre as personagens, e Nina acaba matando Lily enfiando um pedaço de vidro em sua barriga. Em seguida a protagonista esconde o corpo no banheiro e se dirige para performar o segundo ato.

Durante o intervalo antes do terceiro ato, quando Nina novamente retorna para seu camarim, Lily viva e saudável vai ao encontro da protagonista para expressar sua admiração por ela. Natalie Portman entende então que lutou todo aquele tempo contra ela mesma no camarim e descobre a ferida pelo caco de vidro em seu próprio estômago. No fim do filme, no final do terceiro ato, Nina cai sangrando até a morte nos braços do diretor. Pela reação da equipe e dos trabalhadores do teatro, fica claro que a bailarina se machucou na tentativa de alcançar a perfeição.

Bird Box, 2018

Quando a protagonista e suas duas crianças finalmente chegam ao Santuário, ele se revela ser uma escola para deficientes visuais, e há um profundo simbolismo nisso. Foi a fé cega de encontrá-lo que encorajou Malorie e a ajudou a atravessar todos os obstáculos com os olhos vendados. O filme leva o telespectador a refletir o que é realmente fraqueza e o que é força. A cegueira é considerada na sociedade como um fator que limita as oportunidades e capacidades, mas na trama do longa é representada como uma forma de se defender dos monstros e tornar-se forte.

Malorie conseguiu salvar as crianças apenas quando descobriu e se abriu para o amor. Quando na cena final a protagonista dá nomes a seu filho e filha e liberta os pássaros, ela destrói todas as limitações que construiu ao seu redor. O fim é uma metáfora de esperança e fé, e a caixa dos pássaros é um símbolo da gaiola em que Malorie manteve seus sentimentos aprisionados.

Animais Noturnos, 2016

Um dia, a proprietária de uma galeria de arte, Susan, recebe um manuscrito pelo correio de seu ex-marido Edward, cujo talento para escrever ela nunca acreditou. No romance “Animais Noturnos”, ele descreveu seu próprio mundo interior. Edward compara a dor de ter perdido Susan à dor do protagonista de seu livro — Tony Hastings, cuja esposa e filha foram brutalmente assassinadas por bandidos. A história cativa e prende a protagonista, vivida por Amy Adams, desde suas primeiras páginas e ela percebe que Edward é um escritor de fato talentoso. Por causa de suas impressões do livro, Susan sugere ao ex-esposo que se encontrem, e ele imediatamente concorda.

Como local para o encontro, ela escolhe um restaurante luxuoso que corresponde ao seu status social. No entanto, Edward não aparece, e aos poucos Susan vai entendendo que ele na verdade não iria aparecer. O romance incrível e o encontro malfadado são na verdade uma forma de Edward se vingar de sua ex-esposa. Assim, ele provou a Susan que seu mundo criativo interior, desacreditado inicialmente por ela, é muito mais rico do que ela pensava. A vingança é o tema central de ambas as histórias: Tony vinga-se dos assassinos de sua família e Edward vinga-se de Susan.

Donnie Darko, 2001

Apesar de o filme ter estreado 18 anos atrás, as discussões sobre seu verdadeiro sentido ainda continuam até hoje. Segundo o diretor Richard Kelly, o protagonista, Donnie Darko, tem o papel de um herói cuja missão é salvar o mundo. Donnie deve devolver um artefato, que é uma turbina a jato de avião, que caiu do céu na cidade de Middlesex, senão ele criaria um buraco negro e causaria o fim do mundo. No final do filme, o protagonista vivido por Jake Gyllenhaal permite que o motor do avião, no qual sua mãe e sua irmã estão voando, caia em sua casa, sabendo que assim até ele mesmo morrerá.

Donnie se sacrifica conscientemente. Isso é evidenciado também por seu riso histérico em uma das cenas finais. O fato de estar livre do fardo de ter que ser responsável pelo destino do mundo o deixa tranquilo. Donnie Darko é um filme complexo e de difícil compreensão de primeira, apenas depois de assistir algumas vezes é possível descobrir todas as respostas sobre o roteiro.

Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge, 2012

Na parte final do filme, para salvar sua amada Gotham de uma explosão nuclear, Bruce Wayne pega uma bomba com seu avião e voa oceano adentro, onde depois ela explode com segurança. A cidade é salva, mas seus habitantes ficam em luto por seu herói e erguem um monumento ao Batman. Um tempo depois, o mordomo da família Wayne, Alfred, viaja para Veneza, onde acaba por encontrar Bruce vivo, sentado à mesa com Selina (Mulher-Gato).

Muitos telespectadores interpretaram que essa cena seria apenas uma imaginação do mordomo. Mas, se lembrarmos, na Batcaverna foi anunciado que seu avião estava equipado com a função de piloto automático. Dessa forma, muito provavelmente Bruce ativou o piloto automático, programou-o para levar a bomba o mais longe possível da cidade e encenou a sua própria morte. Além disso, na cena em Veneza, é possível perceber que Selina está usando o colar que pertencia a mãe de Bruce, que ela tentou roubar no início do filme. Alfred não sabia disso, então o episódio não pode ter sido uma fantasia ou um sonho do mordomo.

Ilha do Medo, 2010

Em uma das cenas principais do filme, o Marechal Teddy Daniels vai até o farol, onde ele acreditava que o Dr. Crawley estava realizando experiências terríveis em pessoas. Isso, no entanto, só ajudou a esclarecer o fato de que o protagonista é na verdade um paciente do hospital psiquiátrico, Andrew Laeddis, e tudo que está acontecendo no filme é apenas uma encenação de médicos para ajudá-lo a perceber e entender tudo que lhe aconteceu e evitar ter que fazer uma lobotomia. O personagem encenado por Leonardo DiCaprio parece, em um momento, se lembrar de que matou sua esposa, mas então tudo começa a conspirar de novo. Assim, fica claro que a experiência falhou e Andrew terá que se submeter ao ultrapassado método cirúrgico.

No entanto, o olhar de despedida e as palavras do protagonista nos fazem entender que ele está na verdade disposto a isso. "O que é melhor: viver como um monstro ou morrer como um bom homem? — ele pergunta ao Dr. Sheehan. Nesse momento, o protagonista compreende perfeitamente o que está acontecendo. Entende-se então que a terapia tem funcionado, mas Andrew não quer continuar vivendo com a ideia de que ele não pôde impedir que sua esposa e filhos morressem. Por isso ele finge ainda pensar que é Teddy Daniels, e o médico decide não se opor ao desejo do paciente.

Velvet Buzzsaw (Toda Arte é Perigosa), 2019

Na história do filme, um artista chamado Vetril Dease mata três personagens principais quase ao mesmo tempo. Morf é atacado pelo robô Hobomen, que ele viu pela primeira vez em uma galeria de arte em Miami. Josephina misteriosamente se transforma em parte da pintura do edifício, quando as tintas de todas as telas da galeria de arte avançam sobre sua pele. Apenas Rhodora Haze não pôde ser morta por uma obra de arte: ela milagrosamente se esquiva de escultura que cai no quintal de sua casa sobre ela.

Embora a personagem tenha se livrado das pinturas de Dease, o falecido artista ainda queria vingança sobre as pessoas que tentaram se beneficiar em cima de seu trabalho. Assim, uma tatuagem de motosserra em volta do pescoço de Rhodora subitamente ganha vida e a mata. Sabemos pelo enredo que Velvet Buzzsaw é o nome de uma banda de punk na qual a personagem participou em sua juventude antes de se tornar uma mercenária e proprietária chata de uma galeria de arte. Na verdade, Rhodora acabou sendo morta por um símbolo da época em que ela ainda era uma artista.

Perfeitos Desconhecidos, 2016

Na comédia dramática do diretor italiano Paolo Genovese, um grupo de amigos se reúne para jantar e admirar um eclipse lunar. Quando o tema da conversa chega a telefones celulares, uma das personagens sugere ao grupo que joguem um jogo: todos deveriam colocar seus celulares na mesa, assim todas as chamadas recebidas seriam atendidas na função “viva-voz” e as mensagens lidas em voz alta. Com o decorrer da brincadeira, os amigos percebem que não sabem nada uns dos outros. E nisso está a principal mensagem do filme — todos nós, assim como a Lua, temos dois lados, um visível e iluminado, e outro escuro e escondido das pessoas.

O fim do filme acabou por confundir muita gente. Os personagens saem de casa rindo e de mãos dadas, como se nada tivesse acontecido. É assim que, na verdade, a noite deles teria acabado se tivessem se recusado a jogar. Sem desapontamentos, ressentimentos ou qualquer constrangimento. Todos os seus segredos teriam ficado no lado escuro da Lua de cada um. A decisão sobre o que é melhor cabe ao telespectador: a verdade amarga de cada pessoa ou viver a vida na ignorância.

Ad Astra — Rumo às Estrelas, 2019

Em busca de uma nave espacial de pesquisa desaparecida, Roy McBride pretende acabar com o infeliz projeto “Lima” e resgatar seu pai. No entanto, quando finalmente o encontra, percebe que seu pai não é o herói que sempre imaginou. E mesmo após todo o esforço e sentimento de seu filho, Clifford McBride escapa para o espaço profundo, percebendo que na Terra não há mais nada que seja interessante para ele. Todo o simbolismo dessa cena está no rompimento do cordão que liga os trajes espaciais do pai e do filho.

Ao retornar para casa, Roy finalmente se encontra e aceita seu lugar no universo. Ele se vê livre da solidão emocional e física, já não é mais sobrecarregado pelo desejo de encontrar seu pai, e está pronto para retomar o relacionamento com sua ex-mulher. Ad Astra — Rumo às Estrelas é um filme sobre autoconhecimento e sobre as importantes metamorfoses que ocorrem na alma humana.

Você tinha entendido corretamente os finais dos filmes desse post? Quais outros longas o deixaram em dúvida a respeito do seu final? Conte para a gente na seção de comentários.